Мне страшно повезло! В Москве происходит грандиозное событие: в музее изобразительного искусства им. А.С. Пушкина выставлена коллекция картин французских импрессионистов русского купца и мецената, большого ценителя искусства, искусствоведа, как сейчас говорят, Сергея Щукина. И я там побывала.
Там представлены не только картины, но и дорогие украшения и предметы роскошного быта, но меня интересовали именно импрессионисты, и самым первым оказался Ренуар.
Его знаменитая картина в стиле ню, в котором он обожал рисовать, — «Обнажённая». Ренуар был очень светлым весёлым человеком, весьма сентиментальным, он совсем отказался от черных красок и грустных настроений, никакого пессимизма, изображал только радость жизни. Он был первым из импрессионистов, кто снискал успех у состоятельных парижан. Кстати, от этого стиля он отказался и вернулся к линейности классицизма.
И вот я зале импрессионистов. Это ещё не импрессионизм. Это основатель реализма Гюстав Курбе, картина — «Хижина в горах», одна из его скромных картин, у него есть что погорячей, например, «Происхождение мира».
А вот родоначальник импрессионизма – Клод Моне. Эти картины почти не видны, то ли от бликов на стекле, то ли они выцвели. Теперь я понимаю, почему некоторые экспонаты показывают в последний раз, их перестанут возить на выставки, потому что они утрачивают свои краски. Интересно, их можно реставрировать?
А это Альфред Сислей, картина «Деревня на берегу Сены», написанная в 1872 года. Здесь соединены приёмы раннего импрессионизма и классической композиции. Этот художник так и не дождался славы, он был признан как поэт живописи уже после его смерти.
Ага, вот знаменитые картины – «Девушки в чёрном» Ренуара, но на самом деле, они в сером, чёрными красками, как я уже говорила, импрессионисты не рисовали.
И «Завтрак на траве» Оскара Клода Моне, одноимённая с картиной Эдуарда Мане, названная так в знак уважения последнего, но, в отличие от Эдика, у Оскара всё пристойненько. Если Эдуард Мане эпатировал публику изображением женщины лёгкого поведения в чём мать родила в обществе одетых представительных мужчин, чего раньше никто не изображал, хотя этот вид развлечений был очень распространён, то у Клода Моне никакого ню, только элегантные дамы под зонтиками и мужчины в костюмах.
А главное, в чём, собственно, заключается революционность импрессионистов, — они стали передавать движение, как стоп-кадр, очень живо выглядят люди, которые, кстати, позировали Моне в мастерской, а живописный лес был нарисован отдельно в набросках, и потом всё это было мастерски соединено.
Одна из знаменитейших картин Клода Моне «Белые лилии». 30 лет Клод Моне писал водяные лилии в пруду, этот пруд он создал сам в собственном саду, изменив русло реки. Сегодня в топ-10 самых дорогих картин Клода Моне – 5 изображений водяных лилий.
«Дама в чёрном» кисти Ренуара, и опять-таки, не в совсем в чёрном, скорее, в тёмно-тёмно-синем.
Эдгар Дега – ещё один из основателей импрессионизма, но резко отличающийся от других художников этого стиля. Но он тоже рисует динамичную стихию бытия, внутренний мир героев, во взгляде, в движении руки, в повороте головы, изображая мир красоты и грации, не перегружая картины излишней сентиментальностью. Балет – излюбленная тема, балеринам он посвятил несколько картин. Картина «Голубые танцовщицы» — пастель, шедевр мировой живописи. Какая динамика, какое волнение, напряжение перед выступлением! Если смотреть с близкого расстояния – мазня мазнёй, как размытое изображение, а отойдёшь на расстояние, и вот он – стоп-кадр.
Репетиция балерин, картина «Танцовщицы на репетиции».
А вот Клод Моне «Дама в саду», её привезли из Эрмитажа. Это раннее произведение Моне, просто запечатлён яркими сочными красками прекрасный летний солнечный день. Очень красиво. Отличительная черта импрессионистов – видение прекрасного в жизни.
Опять Эдгар Дега, «Поездка скаковых лошадей». Помимо балета Дега увлекался скачками, регулярно посещал римские скачки. Вот здесь видно отличие Дега от всех других художников-импрессионистов: прошедший академическую выучку, он отдавал предпочтение рисунку. Но он первым стал использовать приём случайно брошенного взгляда, никто ему не позировал, он писал жизнь в движении, как бы, застигнутую врасплох. И так же, как другие художники этого стиля, Дега придавал фигурам слегка диагональное положение, используя, задолго до появления стоп-кадра фотографии, эффект подвижности. И тоже любил чистые светлые краски. Здесь вот краски какие, насыщенные.
Камиль Писсарро – ещё один из первых импрессионистов, ставший учителем для молодых художников-новаторов. Поль Сезанн, Гоген и др., будучи уже знаменитыми, говорили, что они – ученики Писарро. Писарро – пейзажист, художник Земли, различные места на которой он запечатлевал в разное время суток, используя чистые цвета, плотные раздельные мазки. Но есть у него и портреты. Но такой же славы, как его ученики, он не сыскал. Его путь к известности и достатку был очень длинным и тернистым, настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет, ему оставалось прожить лет 13, когда он, наконец, вкусил достаток и славу. Охотнее всего скупали его городские пейзажи Парижа, это «Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро. 1898 г.» Сейчас его картины стоят десятки миллионов долларов.
Вон, кажется, Поль Синьяк, картина «Сосна в Сен-Тропе». Это уже зачатки стиля модерн.
Да, ещё хочется посмотреть на кувшинки Клода Моне. Их, как и стога сена, Моне рисовал неустанно, хрестоматийно, не отклоняясь ни на йоту от своего стиля. Это была его страсть. Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости. Так появились бесчисленные стога сена и кувшинки в пруду его усадьбы на северо-западе Франции в деревне Живерни́ – мастерской под открытым небом, которую он обустраивал полжизни и куда теперь толпами съезжаются ценители его художественного гения со всего мира. Там же находится его могила. В старости Моне почти ничего не видел, но это никак не отразилось на его живописи, он писал до конца своих дней жизнь яркими насыщенными красками.
Да, это революционеры в искусстве живописи, они совершили прорыв, они отошли от академизма, от чётких линий и постановочных сюжетов к передаче ощущений, впечатлений, личностного восприятия, вот как они чувствовали и видели, так и запечатлевали. И, в пику драматическим и трагическим сюжетам эпохи реализма, они рисовали жизнь в прекрасном свете.
А вот зал Поля Сезанна, это уже постимпрессионизм, предтечей кубизма, «Автопортрет», «Акведук», «Гора Святой Виктории». При ближнем рассмотрении, это, конечно, какая-то каша цветов, но отходишь на расстояние, и вот она – гора во всей своей красе. Сезанн тоже писал одни и те же объекты бесчисленное количество раз. А это знаменитая картина «Пьеро и Арлекин», даже те, кто не признавал художественную ценность картин Сезанна, это полотно отмечали как какую-то магию. Кстати, позировали 16-летний сын художника и его друг, последний однажды потерял сознание от долгого стояния в неудобной позе.
Здесь «Мужчина, курящий трубку» или «Курильщик», а это «Дама в голубом», приунывшая, в сильном огорчении каком-то. Натюрморт какой красивый, надо же, какое буйство красок, изумительно. Но спроса у покупателей очень долгое время натюрморты Сезанна не имели, продавец картинами жаловался купцу Щукину на это обстоятельство. Однако Щукин, всё же, скупил немалое количество картин этого художника, и не ошибся, теперь они очень дорого стоят. У коллекционеров нюх на шедевры, они почти всегда угадывают в безвестных картинах шедевры. Этот мужчина с трубкой – садовник Сезанна. После конфликта с парижской художественной богемой вспыльчивый и, даже, гневливый, мнительный и нелюдимый, но очень застенчивый Сезанн покидает этот город и уединяется в своём родовом имении, где его окружают простые люди. Эта картина об одиночестве и бренности бытия. Сезанн доживёт до конца своих дней в гордом одиночестве и, практически, ведя монашеский образ жизни. Он так и не узнает, что он знаменит.
Да, в отличие от Ренуара, например, у Сезанна такие пессимистические настроения изображены.
А это Матисс, «Булонский лес». Вот, где эффект освещения. Картину поместили в альков на сером фоне и осветили откуда-то сверху, а вокруг темно. Вблизи ничего не разобрать, а на отдалении – живописный пейзаж. Импрессионисты – предвестники фотографии, — фокусировка, освещение, расстояние от объекта, — всё имеет определяющее значение. И стоп-кадр они стали изображать незадолго до появления фотоаппарата.
Это зал Анри Матисса. Надо сказать, Щукин отдавал предпочтение импрессионистам, потому что они его изумляли, он испытывал «психологический шок» при виде их. Считалось, что русская буржуазия пропустила эти сокровища, а он создал огромную коллекцию из них, и теперь они являются нашим национальным достоянием, потому что русский коллекционер собирал их не для себя, а для России.
А Матиссу он сам заказал панно «Танец» для парадной лестницы в своём особняке, и сначала изображение обнажённых танцующих девушек красного цвета ему не понравилось, но он, всё же, разместил это панно, и со временем стало ясно, что это, всё-таки, шедевр.
Впечатляет. Игра слов. Импрессион – на французском означает – впечатление, так называется одна из картин Клода Моне «Впечатление. Восход солнца». Именно это название было подхвачено журналистами на одной из выставок, сначала в ироническом смысле, в саркастическом даже, в насмешливом таком, публика не приняла живопись крупными и мелкими густыми мазками. Но художники не обиделись, а потом и вовсе это название прижилось и стало обозначать целое направление в живописи, пришедшее на смену академическому стилю письма с его точными линиями и конкретикой сюжетов. Импрессионисты стояли на своём, бедствовали, нищенствовали, но писали так, как их душе было угодно.
А Щукин был провидцем, он скупал некоторые картину, когда они ещё дорого не стоили, это сейчас им нет цены. А тогда за приобретение панно Матисса «Танец» Щукина высмеяли, назвали его сумасшедшим собирателем декаденствующего хлама. Тогда как импрессионисты оказались скрепой, связующим звеном между романтизмом и модерном.
Это картина «Танец с настурциями», написанная тоже для Щукина, где панно «Танец» служит фоном для натюрморта, живёт здесь, в музее Пушкина. А само панно, оно размещено в последнем зале, мы до него дойдём, привезли из Эрмитажа.
Щукин навсегда избавил Матисса от нищеты, он заплатил художнику так много, что тому хватило и на жизнь и на поездки за границу, его картины приобрели глубину и утончённость, они были востребованы и стоили теперь дорого.
Вот его картины, на них изображены не просто люди, а выражение их лиц, их глаз через комбинацию цвета и формы. Это ещё Матисс «Гармония в Красном». Матисс создал новый стандарт изображения — декоративного полотна, где ключевая роль отведена не линии, а цветовому пятну. Он любил красный цвет, как видно. Камера, к сожалению, не передаёт в точности красный цвет, он розовый какой-то здесь, на самом деле, фон стены и стола нескольких оттенков красного – от пурпурного до кумачового. Сильные мира тоже любили красный цвет, — цари и короли – пурпур, коммунисты – кумач. А Матисс их объединил, возможно, это символ того, что все одним миром мазаны — кровью. И тоже надо смотреть на расстоянии.
Это зал Пабло Пикассо, или Пикассо – на французский манер, и так и так правильно. Основоположник кубизма, пробовавший себя и в сюрреализме, он является самым дорогим художником в мире, по оценке нью-йоркского Музея изобразительного искусства, у него около 20 тысяч работ. А начинал художник свой творческий путь с нищенского существования. Это его ранние произведения, написанные в трагический период его жизни, когда его друг, с которым он приехал покорять Францию, наложил на себя руки. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали. «Мальчик с собакой», «Комедианты», «Испанка», «Старый еврей с мальчиком». Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Картина «Свидание» выполнена в ярко выраженном импрессионистском стиле, здесь такая страсть, такая пластика! Лишних предметов нет, одни чувства и движение навстречу друг к другу.
Это «Любительница абсента», алкоголичка того времени. «Портрет Солера» — одного портного испанского периода жизни Пикассо, который одевал юных художников в обмен на картины. «Портрет поэта Сабартеса», тоже испанца, но написанного уже в Париже. Эта картина исполнена в импрессионистском стиле, но уже к кубизму подгребает. Мотив один – грустное одиночество.
Вот оно – панно «Танец», целый зал ему отдан. На этом пока всё, если вам понравилось, ставьте лайки и подписывайтесь на мой канал. До новых встреч.
